Ornato

Un soffitto ornato a cassettoni

Ornamenti della balaustra di un ponte inglese

L'ornato è una forma di decorazione, pittorica o scultorea, applicata ad ambienti o a oggetti quali mobili, vasellame o suppellettili. In architettura l'ornato si distingue dalle altre parti dell'edificio per il fatto di avere funzione puramente decorativa e non, ad esempio, tecnologica o strutturale.

L'ornato enfatizza il risultato estetico applicato a un ambiente o oggetto; è ciò che è stato decorato. Ad esempio, un soffitto è “ornato” se ha fregi, stucchi, pitture decorative.

L'ornamento enfatizza l’elemento o dettaglio decorativo stesso, cioè ciò che viene aggiunto per abbellire. Ad esempio, i fregi, i motivi scolpiti o dipinti sono “ornamenti” del soffitto.

Se si parla di un oggetto o ambiente come “abbellito”, si dice “ornato”. Se si parla dei dettagli o degli elementi decorativi che decorano, si dice “ornamento”.

Caratteristiche

L'ornato è tipicamente costituito da motivi geometrici o da elementi di tipo naturalistico, quali foglie, fiori o conchiglie. Fin dalla preistoria i motivi e le tecniche utilizzate come ornamento sono state uno degli elementi caratteristici delle varie culture. A volte la tipologia degli ornamenti presenti su antichi edifici e manufatti viene utilizzata dagli archeologi per identificare gli abitatori di un certo territorio.

Storia

Il palazzo del Louvre a Parigi

La storia dell’arte in molte culture mostra una serie di tendenze ondulatorie, in cui il livello di ornamentazione aumenta nel corso di un periodo, prima che una reazione improvvisa riporti a forme più semplici; successivamente l’ornamentazione torna gradualmente ad aumentare. Questo schema è particolarmente evidente nell’arte europea post-romana, dove l’arte insulare altamente decorata del Libro di Kells e di altri manoscritti influenzò l’Europa continentale, ma l’arte carolingia e ottoniana, ispirata al classicismo, la sostituì in gran parte.

Ornamento barocco in un palazzo veneziano

L’ornato aumentò durante i periodi romanico e gotico, ma fu notevolmente ridotto negli stili del primo Rinascimento, ancora sotto influenza classica. Un ulteriore periodo di incremento, nel Manierismo nordico, nel Barocco e nel Rococò, fu contenuto dal Neoclassicismo e dal periodo romantico.

L’ornato nell’abbigliamento maschile passò di moda intorno al 1800, durante la cosiddetta “grande rinuncia maschile”. L’ornato in architettura e nell’arredamento riprese nella seconda metà del XIX secolo con lo stile Napoleone III di Francia, le arti decorative vittoriane e i loro equivalenti in altri paesi, per essere poi decisamente ridotto dal movimento Arts and Crafts e successivamente dal Modernismo.

Lo studio dettagliato delle forme ornamentali eurasiatiche fu avviato da Alois Riegl nel suo studio formalista Stilfragen: Grundlegungen zu einer Geschichte der Ornamentik (“Problemi di stile: fondamenti di una storia dell’arte ornamentale”) del 1893; in questo lavoro Riegl sviluppò il suo influente concetto di Kunstwollen. Riegl tracciò la continuità e lo sviluppo formale delle forme decorative vegetali dall’arte dell’Antico Egitto e di altre antiche civiltà del Vicino Oriente, attraverso il mondo classico, fino all’arabesco dell’arte islamica.

Sebbene oggi il concetto di Kunstwollen abbia pochi seguaci, la sua analisi di base dello sviluppo delle forme è stata confermata e approfondita dal più ampio corpus di esempi oggi noto. La storica dell'arte, curatrice e sinologa inglese Jessica Rawson, nel 1984, ha esteso l’analisi includendo anche l’arte cinese, che Riegl non aveva preso in considerazione, rintracciando molti elementi della decorazione cinese nella stessa tradizione; questo retroterra condiviso contribuì a rendere armoniosa e produttiva l’assimilazione dei motivi cinesi nell’arte persiana dopo l’invasione mongola.

Gli stili di ornamentazione possono essere studiati in riferimento alla specifica cultura che sviluppò forme decorative uniche, oppure che modificò ornati provenienti da altre culture. La cultura dell’Antico Egitto fu probabilmente la prima civiltà ad aggiungere pura decorazione ai propri edifici. L’ornato egiziano assumeva forme tratte dal mondo naturale del clima egiziano, decorando i capitelli delle colonne e le pareti con immagini di papiri e palme.

La cultura assira produsse ornamentazioni che mostrano influenze egiziane insieme a numerosi temi originali, tra cui figure di piante e animali tipici della regione assira.

Tipica varietà di motivi ornamentali su un vaso greco del 530 a.C. circa.

La civiltà dell’Antica Grecia creò molte nuove forme ornamentali che si diffusero in tutta l’Eurasia, favorite dalle conquiste di Alessandro Magno e dall’espansione del Buddismo, che portò alcuni motivi nell’Asia orientale in forme leggermente modificate. In Occidente, le forme “latinizzate” dell’ornato greco dell’Antica Roma durarono per circa un millennio e, dopo un lungo periodo in cui furono sostituite dalle forme gotiche, conobbero una potente rinascita nel Rinascimento italiano e rimangono ancora oggi ampiamente utilizzate.

Ornato romano

L’ornato nell’Impero romano utilizzava una vasta gamma di stili e materiali, tra cui marmo, vetro, ossidiana e oro.

Affreschi del quarto stile pompeiano, casa degli Amorini Dorati

Nella casa degli Amorini Dorati a Pompei, dove sono stati rinvenuti 18 muri ornati, il numero più alto in una casa pompeiana. L’ornamentazione interna delle pareti in una casa pompeiana divideva tipicamente la parete in tre o più sezioni, sotto le quali si trovava uno zoccolo (dado) che occupava circa un sesto dell’altezza del muro. Le sezioni della parete erano suddivise da ampie lesene collegate da un fregio che correva lungo la parte superiore della parete.

Gli ornati rinvenuti nella Casa degli Amorini Dorati riflettevano questo stile standard e includevano oggetti chiaramente riutilizzati, oltre a oggetti rari e importati. Diversi pannelli delle pareti della casa furono rimossi durante gli scavi archeologici negli anni Settanta, rivelando che erano stati applicati in precedenza su pareti diverse rispetto a quelle su cui furono trovati. La studiosa Jessica Powers sostiene che questi pannelli dimostrano la disponibilità del proprietario della casa e dei committenti a utilizzare materiali danneggiati o di seconda mano nella propria abitazione. Inoltre, è stato identificato che i materiali utilizzati nei pannelli decorativi provenivano dall’Oriente greco o dall’Egitto, e non da Pompei. Ciò testimonia l’esistenza di elaborate rotte commerciali che prosperavano in tutto l’Impero romano e l’interesse dei proprietari di case nell’utilizzare materiali provenienti dall’esterno di Pompei per abbellire le proprie abitazioni.

Oltre alle case private, anche gli edifici pubblici e i templi erano luoghi in cui si manifestavano gli stili ornamentali romani. Nel tempio romano, l’uso sontuoso dell’ornato fungeva da mezzo di autocelebrazione. Le tecniche ornamentali romane includevano il modellato superficiale, in cui gli stili decorativi venivano applicati su una superficie. Questo era uno stile ornamentale comune nelle superfici in marmo. Uno stile ornamentale diffuso era l’uso della foglia d’acanto, un motivo adottato dai Greci. L’impiego della foglia d’acanto e di altri motivi naturalistici è visibile nei capitelli corinzi, nei templi e in altri spazi pubblici.

Stampe ornamentali e pattern books

Sono sopravvissuti alcuni taccuini medievali, il più famoso dei quali è quello di Villard de Honnecourt (XIII secolo), che mostra come artisti e artigiani registrassero i disegni osservati per riutilizzarli in futuro. Con l’arrivo della stampa, le incisioni ornamentali divennero una parte importante della produzione degli incisori, soprattutto in Germania, e svolsero un ruolo fondamentale nella rapida diffusione dei nuovi stili rinascimentali tra gli artigiani di ogni tipo di oggetti. Oltre alla ripresa dell’ornato classico (sia architettonico sia nello stile grottesco derivato dalla decorazione degli interni romani) comparvero anche nuovi stili, come il moresco, un adattamento europeo dell’arabesco islamico (una distinzione che all’epoca non era sempre chiara).

Con il progressivo abbassamento dei costi della stampa, la singola incisione ornamentale si trasformò prima in serie e poi in veri e propri libri. Dal XVI al XIX secolo, in Europa furono pubblicati libri noti come pattern books che offrivano accesso a elementi decorativi, arrivando infine a includere motivi provenienti da culture di tutto il mondo.

Villa Pisani a Bagnolo ne I quattro libri dell'architettura (libro II)

I quattro libri dell’architettura (1570) di Andrea Palladio, che comprendevano sia disegni di edifici romani classici sia progetti dello stesso Palladio basati su quei motivi, divennero il libro di architettura più influente mai scritto. Napoleone fece documentare le grandi piramidi e i templi d’Egitto nella Description de l’Égypte (1809). Owen Jones pubblicò The Grammar of Ornament nel 1856, con illustrazioni a colori di decorazioni provenienti da Egitto, Turchia, Sicilia e Spagna. Soggiornò nell’Alhambra per realizzare disegni e calchi in gesso dei dettagli ornamentali islamici presenti, tra cui arabeschi, calligrafici e motivi geometrici.

L’interesse per l’architettura classica fu alimentato anche dalla tradizione del Grand Tour e dalla traduzione delle opere teoriche sull’architettura, in particolare quelle di Vitruvio e Michelangelo.

Nel corso del XIX secolo, l’uso appropriato dell’ornato e la sua precisa definizione divennero oggetto di controversie estetiche nell’architettura accademica occidentale, mentre architetti e critici cercavano uno stile adeguato alla propria epoca. «La grande questione è», si chiedeva l'architetto britannico Thomas Leverton Donaldson nel 1847, «avremo un’architettura del nostro tempo, uno stile distinto, individuale, riconoscibile del XIX secolo?».

Nel 1849, quando l'architetto britannico Matthew Digby Wyatt visitò l’Esposizione Industriale francese allestita sugli Champs-Élysées a Parigi, criticò con termini sorprendentemente moderni gli ornati in gesso che imitavano il bronzo e le venature del legno:

«Sia all’interno sia all’esterno vi è una grande quantità di ornato privo di gusto e inutile… Se a ogni materiale semplice fosse stato permesso di esprimere la propria natura, e le linee della costruzione fossero state organizzate in modo da suggerire un senso di grandezza, le qualità di “forza” e “verità”, che la sua enorme estensione avrebbe necessariamente garantito, non avrebbero potuto mancare di suscitare ammirazione, e con un notevole risparmio di spesa.»

I contatti con altre culture attraverso il colonialismo e le nuove scoperte archeologiche ampliarono il repertorio ornamentale a disposizione dei revivalisti. Dopo il 1880 circa, la fotografia rese i dettagli ornamentali ancora più accessibili di quanto non lo fossero stati attraverso le incisioni.

Ornati moderni

Decorazione. Privat-Livemont, graffito su un edificio di Bruxelles, c. 1900.

Gli ornati moderni sono realizzati in legno, plastica, materiali compositi, ecc. Sono disponibili in molti colori e forme diverse. L’architettura moderna, concepita come eliminazione dell’ornato a favore di strutture puramente funzionali, lasciò agli architetti il problema di come decorare adeguatamente gli edifici moderni.

Da questa crisi percepita si delinearono due possibili strade. La prima consisteva nel tentare di elaborare un vocabolario ornamentale nuovo ed essenzialmente contemporaneo. Fu la via seguita da architetti come Louis Sullivan e dal suo allievo Frank Lloyd Wright, o da Antoni Gaudí. L’Art Nouveau, diffuso attorno al passaggio tra XIX e XX secolo, fu in parte un tentativo consapevole di sviluppare un vocabolario ornamentale “naturale”.

Una strada più radicale prevedeva invece l’abbandono totale dell’ornato, come in alcuni progetti di oggetti di Christopher Dresser. All’epoca, oggetti privi di decorazione potevano trovarsi in molti prodotti industriali di uso quotidiano, come le ceramiche della fabbrica Arabia manufactory in Finlandia o gli isolatori in vetro delle linee elettriche.

Quest’ultima posizione fu teorizzata dall’architetto Adolf Loos nel suo manifesto del 1908, tradotto in inglese nel 1913 con il titolo polemico Ornament and Crime. Loos dichiarava che l’assenza di decorazione è il segno di una società evoluta. Secondo lui, l’ornato è economicamente inefficiente e “moralmente degenerato”, e la sua riduzione rappresenta un progresso. I modernisti erano inclini a indicare Louis Sullivan come loro precursore nella causa della semplificazione estetica, ignorando però i complessi intrecci ornamentali che articolavano le superfici dei suoi edifici.

Con l’opera di Le Corbusier e della Bauhaus negli anni Venti e Trenta, l’assenza di dettagli decorativi divenne un segno distintivo dell’architettura moderna, associata alle virtù morali di onestà, semplicità e purezza. Nel 1932 Philip Johnson e Henry-Russell Hitchcock definirono questa tendenza “International Style”. Ciò che era nato come una questione di gusto si trasformò in un imperativo estetico: i modernisti proclamarono il loro metodo come l’unico modo accettabile di costruire.

Quando lo stile raggiunse la sua piena maturità nel secondo dopoguerra con le opere di Mies van der Rohe, i principi del modernismo degli anni Cinquanta divennero così rigidi che persino architetti affermati come Edward Durrell Stone ed Eero Saarinen furono ridicolizzati ed emarginati per essersi discostati dalle regole estetiche.

Nel frattempo, le leggi non scritte contro l’ornato iniziarono a essere seriamente messe in discussione. «L’architettura si è liberata, con una certa difficoltà, dell’ornato, ma non si è liberata della paura dell’ornato», osservò John Summerson nel 1941.

La distinzione tra ornato e struttura è in realtà sottile e forse arbitraria. Gli archi a sesto acuto e gli archi rampanti dell’architettura gotica sono ornamentali ma anche strutturalmente necessari; le fasce ritmiche e colorate di un grattacielo in stile internazionale di Pietro Belluschi sono integrate, non applicate, ma producono comunque un effetto ornamentale. Inoltre, l’ornato architettonico può svolgere funzioni pratiche: stabilire la scala, segnalare ingressi e facilitare l’orientamento, strategie progettuali utili che erano state bandite.

A metà degli anni Cinquanta, anche figure di spicco del modernismo come Le Corbusier e Marcel Breuer infransero le proprie regole, realizzando opere in cemento altamente espressive e scultoree.

Asia

Cina

In Cina, l’ornato è legato al simbolismo cosmologico e imperiale.

Fin dall’epoca delle dinastie antiche, motivi come il drago, la fenice, le nuvole e le onde stilizzate non erano semplici decorazioni, ma segni di potere e armonia universale:

• Il drago imperiale simboleggiava l’autorità dell’imperatore e il controllo sulle forze naturali.
• I motivi floreali, come il loto, esprimevano purezza e rinnovamento spirituale.
• Le ceramiche della dinastia Ming mostrano una raffinatissima integrazione tra ornamento e superficie.

Nell’architettura della Città Proibita, l’ornato si integra alla struttura: colori (rosso e oro), tetti decorati e sculture zoomorfe trasformano lo spazio in rappresentazione dell’ordine cosmico.

India

Il tempio di Lakshmana a Khajuraho

In India, l’ornato raggiunge livelli di complessità straordinari, soprattutto nell’arte religiosa.

I templi hindu, come quelli di Khajuraho, sono letteralmente rivestiti di sculture e motivi ornamentali. Qui l’ornato:

• Non è separabile dalla struttura architettonica.
• Rappresenta il cosmo, la fertilità, la vita e la spiritualità.
• Trasforma il tempio in una “montagna sacra” scolpita.

Con l’epoca islamica e l’impero Moghul, l’ornato assume forme più geometriche e floreali. Nel Taj Mahal, gli intarsi in pietra dura creano motivi vegetali raffinati che evocano il giardino paradisiaco.

Giappone

In Giappone, l’ornato si sviluppa secondo un principio di equilibrio e armonia con la natura.

Nei templi buddhisti come il Byōdō-in, l’ornamento è elegante ma controllato. I motivi naturali (onde, foglie d’acero, gru, ciliegi) evocano il passare delle stagioni.

Durante il periodo Edo, artisti come Katsushika Hokusai integrarono motivi ornamentali nelle stampe ukiyo-e, fondendo decorazione e rappresentazione.

Mondo islamico asiatico

Nelle regioni islamiche dell’Asia, come l’Iran safavide o l’Asia centrale, l’ornato assume una forte dimensione astratta.

Nella Moschea dello Shah a Isfahan:

• Le superfici sono ricoperte di geometrie complesse e arabeschi.
• L’assenza di figure umane spinge verso una decorazione che allude all’infinito.
• L’ornato diventa meditazione visiva.

La ripetizione modulare esprime l’idea di un universo ordinato secondo principi matematici e divini.

Africa

Antico Egitto

Ampio collare di Wah, 1981–1975 a.C.; faience, filo di lino; Metropolitan Museum of Art

Nell’Antico Egitto l’ornato aveva un valore religioso e politico. Gioielli in oro, lapislazzuli e corniola non erano semplici accessori, ma amuleti protettivi e simboli di potere divino. Il “usekh”, il grande collare egizio, indicava rango e connessione con il sacro.

Anche nella civiltà nubiana del Regno di Kush l’ornato esprimeva autorità e prestigio: corone, bracciali e decorazioni architettoniche sottolineavano la centralità del sovrano e del culto religioso.

Africa subsahariana

In molte società dell’Africa subsahariana, l’ornato si sviluppa soprattutto sul corpo:

• Presso i Masai, le collane di perline colorate comunicano età, stato civile e ruolo sociale.
• Tra gli Yoruba, scarificazioni e ornamenti regali distinguono autorità politica e spirituale.
• I Fulani sono celebri per i loro gioielli in oro, simbolo di ricchezza e femminilità.

Il corpo diventa superficie narrativa, dove ogni segno racconta appartenenza, passaggio di età, relazione con gli antenati.

Tessuti e geometrie

Tessuto bògòlanfini

I tessuti africani rappresentano una delle espressioni più raffinate dell’ornato:

• Il kente del Ghana, legato al popolo Akan, utilizza motivi geometrici che veicolano proverbi e valori morali.
• Il bògòlanfini del Mali è decorato con simboli dipinti nel fango fermentato, ciascuno con significato protettivo o storico.

Nelle maschere rituali dei Dogon o dei Baulé, l’ornato non è mai casuale. Incisioni, pigmenti, aggiunte di fibre o metalli rendono l’oggetto vivo, capace di incarnare spiriti e forze cosmiche.

Durante il colonialismo europeo, molte forme ornamentali furono reinterpretate o commercializzate. Tuttavia, nel XX e XXI secolo, artisti africani contemporanei hanno recuperato motivi tradizionali per rielaborarli in chiave moderna.

Americhe

Civiltà precolombiane

La Piedra del Sol

Nelle culture indigene l’ornato aveva una forte dimensione religiosa e cosmologica.

Nei complessi maya come Chichén Itzá, serpenti piumati, maschere divine e motivi geometrici decorano templi e piramidi, evocando il ciclo del tempo e il rapporto tra cielo e terra.

La civiltà azteca, con opere come la Pietra del Sol, sviluppò un ornato denso di simboli astronomici e mitologici.

Nelle Ande, siti come Machu Picchu mostrano un ornato più sobrio ma raffinato: l’incastro delle pietre diventa esso stesso decorazione e dimostrazione di armonia con la natura.

L’età coloniale

Altare dei Re, Cattedrale di Città del Messico

Con la conquista europea, l’ornato barocco diventa protagonista ma assume forme originali, spesso definite “barocco coloniale” o “barocco mestizo”. La Cattedrale di Città del Messico unisce monumentalità europea e maestranze indigene.

La chiesa della Compagnia di Gesù è celebre per i suoi interni ricoperti d’oro, simbolo di ricchezza e potere ecclesiastico.

In Brasile, città come Ouro Preto mostrano un barocco riccamente decorato, legato al boom dell’oro.

L’ornato coloniale diventa così strumento di evangelizzazione e dominio, ma anche spazio di resistenza culturale: motivi floreali, animali e simboli locali si intrecciano con colonne tortili e volute europee.

Nord America

Il Sony Building, già AT&T Building

Nel Nord America anglosassone, l’ornato segue una traiettoria diversa. Le prime comunità puritane privilegiarono edifici semplici e funzionali.

Nell’Ottocento esplodono gli stili revival e vittoriani (come le “Painted Ladies” di San Francisco), ricchi di decorazioni lignee e colori.

Con l’Art Nouveau e soprattutto l’Art Déco (emblematico il Chrysler Building), l’ornato diventa moderno, geometrico, simbolo di progresso industriale.

La polemica contro l’ornato raggiunse il culmine nel 1959 durante le discussioni sul Seagram Building, dove Mies van der Rohe installò all’esterno una serie di travi a I verticali strutturalmente non necessarie. Nel 1984, quando Philip Johnson realizzò l’AT&T Building a Manhattan con un frontone ornamentale neo-georgiano in granito rosa, la controversia poteva dirsi conclusa. In retrospettiva, i critici hanno considerato l’AT&T Building come il primo edificio postmoderno.

Parallelamente, le culture native nordamericane sviluppano ornati tessili e decorativi (perline, motivi simbolici) che esprimono identità tribale e spiritualità.

Oceania

Melanesia e Polinesia

Le prime grandi testimonianze dell’ornato oceanico risalgono alla cultura Lapita (circa 1500–500 a.C.), diffusa tra Melanesia e Polinesia occidentale. I loro vasi in terracotta erano decorati con motivi geometrici incisi o impressi (triangoli, spirali, dentellature).

Questi motivi non erano casuali:

• indicavano appartenenza culturale,
• esprimevano simboli ancestrali,
• riflettevano una visione ordinata e ritmica del cosmo.

L’ornato Lapita rappresenta la base estetica su cui si svilupperanno molte tradizioni successive.

In Melanesia, specialmente in Papua Nuova Guinea, l’ornato si sviluppa nella scultura lignea e nelle maschere rituali. Caratteristiche principali erano linee curve e spiraliformi, decorazioni pittoriche rosse, bianche e nere, ed esagerazione dei tratti (occhi, bocca).

Anche le canoe, fondamentali per la navigazione oceanica, sono ornate: l’estetica è legata alla funzione e alla protezione spirituale del viaggio.

Con l’arrivo degli europei tra XVIII e XIX secolo, molte pratiche ornamentali vennero vietate (come il tatuaggio in alcuni periodi), reinterpretate in chiave turistica o museale e rilette dagli artisti moderni come simboli identitari.

Nel XX e XXI secolo, l’ornato oceanico è stato rivalutato come espressione culturale autonoma e non più “arte primitiva”. Oggi molti artisti contemporanei oceanici riprendono i motivi tradizionali per riaffermare identità e sovranità culturale.

Australia

In Australia l’ornato è profondamente connesso alla cultura degli Aborigeni australiani. I motivi decorativi compaiono su:

• Pitture rupestri (tra le più antiche al mondo)
• Pittura su corteccia
• Pittura su tela (arte contemporanea aborigena)
• Decorazione corporea rituale

Elemento centrale è il concetto del Tempo del Sogno, cioè il tempo mitico della creazione. I motivi ornamentali (punti, linee concentriche, percorsi sinuosi) rappresentano luoghi sacri, percorsi degli antenati, acqua, fuoco, animali totemici.

La tecnica del dot painting (pittura a punti), sviluppata soprattutto nel XX secolo nel deserto centrale, trasforma mappe spirituali del territorio in ornamenti astratti. Qui l’ornato è una vera e propria cartografia sacra.

Nuova Zelanda

Wharenui: soffitto ornato

In Nuova Zelanda l’ornato è legato alla cultura dei māori, popolazione indigena del paese.

Uno degli elementi più noti è il moko, il tatuaggio tradizionale māori, che non è solo estetico ma racconta genealogia (whakapapa), rango sociale e imprese personali.

I motivi sono curvilinei, spiraliformi e simmetrici. Il simbolo più famoso è il koru, una spirale ispirata alla felce che si apre: rappresenta nascita, crescita e rinnovamento.

L’ornato è fondamentale anche nell’architettura del wharenui (casa cerimoniale). Le travi e le pareti sono intagliate con figure ancestrali: l’edificio stesso è concepito come il corpo di un antenato.

Russia

Cattedrale di San Basilio, Mosca

Con la conversione al Cristianesimo nel 988 sotto il principe Vladimir I di Kiev, la Rus' di Kiev assorbì profondamente l’estetica bizantina. L’ornato si sviluppò soprattutto in ambito religioso con:

• Icone con fondi dorati, motivi floreali stilizzati e simboli sacri.
• Affreschi e mosaici nelle chiese, ricchi di pattern geometrici.
• Ricami tradizionali con motivi rossi su lino bianco, spesso apotropaici (di protezione).

Un esempio emblematico è la Cattedrale di San Basilio (XVI secolo), con le sue cupole “a cipolla” policrome e i rivestimenti decorativi interni: ha molto colore e ritmo visivo che traduce la spiritualità in forma ornamentale.

Con la fondazione di San Pietroburgo nel 1703 da parte di Pietro il Grande, la Russia si apre all’Europa. L’ornato assume una funzione politica: dimostrare che l’Impero russo è moderno e potente quanto le monarchie occidentali.

Nel barocco russo e poi nel neoclassicismo nacquero stucchi dorati, colonne corinzie, soffitti affrescati, motivi rococò adattati al gusto locale e uso massiccio dell’oro come simbolo di autorità imperiale.

Il Palazzo d'Inverno e la celebre Camera d’ambra nel Palazzo di Caterina mostrano un ornato sontuoso, teatrale, quasi sovraccarico: qui la decorazione è strumento di propaganda monarchica.

Set Khokhloma

Nell’Ottocento nasce il “revival russo”, che recupera motivi medievali e popolari come decorazioni lignee intagliate nelle isbe, cornici di finestre riccamente scolpite e motivi floreali della tradizione contadina (come la Khokhloma). L’ornato diventa ricerca delle radici nazionali, in opposizione alla pura imitazione occidentale.

Con la Rivoluzione del 1917, l’ornato tradizionale viene messo in discussione. Artisti come Kazimir Malevič e Vladimir Tatlin rifiutano la decorazione superflua in favore di geometria pura, astrazione radicale e funzionalità costruttiva.

Il suprematismo e il costruttivismo sostituiscono l’ornato con linee, cerchi e quadrati: una nuova estetica rivoluzionaria che riflette l’ideologia socialista.

Negli anni ’30-’50, con Stalin, l’ornato ritorna in forma monumentale. L’architettura diventa celebrativa utilizzando marmo, mosaici, lampadari monumentali, simboli sovietici (stelle rosse, spighe di grano) e decorazioni che esaltano il lavoro e il popolo. Le stazioni della Metropolitana di Mosca sono esempi di questo “classicismo socialista”, dove l’ornamento diventa strumento di glorificazione del regime.

Voci correlate

• Decorazione

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Collegamenti esterni

• ornato, su Treccani.it – Enciclopedie on line, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.
• Ornato, in Enciclopedia Italiana, Istituto dell'Enciclopedia Italiana.
• (EN) Ornato, in Jewish Encyclopedia, Funk and Wagnalls.
• Ornato, in Enciclopedia Italiana, Roma, Istituto dell'Enciclopedia Italiana. URL consultato il 27 giugno 2016.

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